劇研アクターズラボ＋村上慎太郎（京都公演クラス）

 この講座は「講座」とはいいながら期間限定の劇団のように、メンバー自身が主体となって作品を作ったり、衣装や小道具集めなどの必要な作業をできるだけになっていくことを方針としています。それは、例えば今後自立して活動していったり劇団に入って活動したいと思ったときに、実践的だと思っているからです。演劇活動はそうしたことも含めてのものだという考え方ともつながっています。 さて、公式の練習とは別に行われる自主練習もそうした自主性に基づいて行われています。3月からは自主練習を始めたいということで、担当するメンバーが会場押さえなど行っていました。 また、内容に関して参考になるアイデアや資料の提示なども、積極的に行われています。演出の村上さんはそうした意見も汲み取りながら、場面の構成やセリフのやりとりに活かそうとしてくれています。もちろん、全て採用となるということはありませんが、そうしたやりとりは芝居を豊かにする上でとても大切なことだと思います。 今日の練習も、即興や村上さんの用意したセリフを使って、キャラクターやシーンを膨らませていく作業が行われました（写真）3月ぐらいまでこうした粘り強い作業が続く見込みです。

 年明け最初の練習となりました。体調不良での欠席もあり全員揃っての稽古はじめというわけにはいきませんでしたが、参加したメンバーは溌剌と演じていました。 基本の構成やセリフをもとにシーンを膨らませる作業が続きます。 この芝居の中では「相談」ということばがたくさん出てきます(くる予定です）。それについて演出から説明もありました。つい「相談」してしまう人の哀しさやおかしさが感じられる作品になるかもしれません。 とこで、人はなぜ相談したくなるのでしょうかね？

村上さんが書かれた台本をもとに、シーンを作っていきます。台本をしっかり書いて、ほとんどセリフの変更をさせない作家もいますが、村上さんは読み合わせをしたり、それについてメンバーとディスカッションしながらどんどん台本を修正していきます。さらに台本に書かれていないことを即興で演じてもらいながら、セリフの口立て（演出家がセリフを役者に言葉で伝えて語ってもらうこと）も加えてシーンを膨らませる作業をしていきます。 役者さんもすっかり慣れていて、台本に縛られすぎず比較的自由にのびのびと演じていました。

  高杉征司さんによる代講の2日目。前回に続いて２人芝居のテキストを使ってのシーンスタディです。今日は最後に発表もしました。まずはペアに分かれてそれぞれで練習します。前回同様、高杉さんは各ペアの練習を見てアドバイスを加えていきます。 最後にはそれぞれのペアが連続で発表し、練習の成果を互いに見合いました。（写真） さて、シーンスタディをより充実させるポイントは「人の演技を見る」ことではないかと思います。私も演劇を始めたての若い時、こうした練習をしていて、よく指導者から「人の演技を見て」と言われたものでした。でもその時は全然ピンと来なくて、自分のやること、演じることで精一杯で人の演技は見てはいましたが、何がどう良くて、どう参考になるかなんてちっともわからなかったのを覚えています。今になって思うのは、「人の演技を見られるようになる」ことにも段階があって、見ていくうちにだんだん上達していくということです。 まずはお客さんのような気持ちで素直に見ることが大切ではないでしょうか。演じるのは一緒に芝居する仲間ですし、自分が演じる時に暖かい目で見てもらえるようついつい「優しい目」で見がちです。でも演技の練習としては、クールに素直な目で見ることが大事ではないかと思います。（退屈だったら、そのように感じて無理して笑ったりしたりしないことです。ただし、稽古場を和ませるためなどの理由で、無理して反応しているのが自覚できていたら、それはそれでいいんですけど）本当に面白くて笑ってしまったり、つい引き込まれたりすることもあると思います。見る量が増えていけば、そんな時になぜ自分がそうなったか、だんだんわかってきます。指導者がアドバイスをして、演技が変わって「面白くなった」と感じられたらそれはそういう自覚のためのとてもいいトレーニングです。俳優は自分の演技が観客にこう伝わるだろう、ということを意識して演じたりします。自分の動きや声や感情がどうなっているか、どう伝わっているかを自覚できていないと、狙い通り伝わらないので「見る、見られる」練習でそれを磨くのです。 また、演技はアクションとリアクションですから人の演技（例えばそれが小道具の扱いや、視線、距離感なども含めて）にどう反応すると芝居が面白くなるかも大切です。こうしたこともシーンスタディの中で人の演技を見て参考にすると有効です。何かを仕掛け...

 今日と次回は指導の村上さんがお休みで、代わりに俳優・演出家の高杉征司さんに演技力アップのための講座を行っていただきます。今日行ったのは台本の一部を使って演技に立ち上げていく練習で「シーンスタディ」と言ったりします。演技の練習ではよく行われる練習です。今回使うテキストは２人芝居の冒頭の部分で、検閲官と劇作家の2人芝居です。二人芝居の面白さは登場人物２人の関係が芝居が進むにつれて変化していくところだったりします。立場が上だった人が芝居が進むにつれて、だんだん立場が弱くなっていく、といったことです。これを魅力的に演じるためには言葉（セリフ）の背後に存在する力関係をしっかり意識して演じることや、相手のセリフや仕草を受けてどうリアクションを取るかなどが大切になります。 さて、今日の練習はペアに分かれてそれぞれで台本を読みあわせ、二人で話し合いながら進めました。（写真）そこを高杉さんが見ながら個別にアドバイスをしていきます。もう次回は立ちながら演じるところまでいって、最後に発表をする予定です。こうした練習は思うより時間がかかるものですが、今回は残念ながら２日間だけです。でも、短い時間ながら皆集中して熱心に取り組んでいました。自分たちで考えたり工夫することは大切です。実り多い時間になったと思います。

先日フランスの有名劇団「太陽劇団」の公演を観ました。日本とおぼしき国が登場する妄想の世界が舞台なのですが、フランス人をはじめ多国籍な俳優たちが 、「日本人」を演じていました。映画でも「これはどうかな」と思うような、「日本」が描かれることもあったりしますが、そこはさすが太陽劇団。トレーニングしたり勉強したりして、日本をイメージさせる見事な空想の世界を作っていました。日本人的な「礼」の自然さ（美しさ）なんかはよく訓練されていると思いました。西洋人の「礼」はちょっと不自然に感じたりもしますよね。 　さて、今回のお芝居でももしかすると、外国（他文化）を描くシーンが登場するかもしれません。前述したようにお芝居や映画などで「外国」を扱うことは珍しくありません。自分のよく知らない「異国」には何か魅力を感じるのでしょう。例えば芝居の中でよその国の言葉を語る（仮にそれが想像の言葉であっても）ことだけでも、日本語とは違うわけですから、演劇的な効果を生むわけですが、演じることは言葉だけでなく行動を伴うわけですから、そこに考え方や行動様式の違いみたいなものも当然現れてきます。それはうまくやればとても面白い効果を生みます。でも、前述の日本人独特の仕草「礼」のように、そこにリアリティを持たすのは、なかなか難しかったりもします。前述の太陽劇団ですら「日本人はこうしないよね」と文化の差を感じるところがありました。実際のある国を参考にしたりすると、その国を知っている人からするとバカにされたように感じさせたり、雑に扱いすぎてシラけさせたりするリスクもあります。 　日本も多文化化が進んでいます。自分とは違う考え方や、行動様式、言語を勉強したり、想像してみることは、とてもいいことなんじゃないかと思います。お芝居で描く際にもそんな「文化背景」を意識して丁寧に作ってみると、より深まっていいんじゃないかと思います。

稽古前に毎回全員でウォームアップをするのがこのチームの特徴です。村上さんはいい雰囲気を作るのが上手な方で、稽古場はいつも楽しい空気に包まれます。今日行った早口言葉の練習は、ただ機械的に早口言葉を言うのではなく、会話のように言ってみました（写真）。間違えたり、微妙に言えなかったり、完璧に言えたり、滑舌の練習ですが笑いがこぼれて和みます。「東京特許許可局局長今日急遽許可却下」こんなセリフ出てきたら大変ですよね。  さて、演劇をする上で（稽古する上でも）役者にとって大事なことは「リラックス」です。昔の演劇の稽古はとても厳しくて、あの環境でリラックスするのは相当大変だったと思いますが、現代はリラックスできるよう現場を整えるのが主流です。厳しく鍛えないと全員が共有できない特殊な技法や、鍛えぬかれた肉体でしか出せない表現などをする劇団は今もありますので、そんな場合はトレーニング重視でリラックスはあまり気にしないということもあるでしょう。それでも実はリラックスは大事です。 面白い表現をするとき（そうしたものを作り出そうとする時も）、まず「集中」が肝心です。演劇で集中するというのは例えば読書に集中して他の雑音が全く気にならない。みたいに、ある一点に集中するということではなく、芝居の流れや観客の意識など幅広く意識を巡らせながら、かつ自分の演技が途切れないように保てる状態を言います。集中が切れた演技は観客に伝わりますし、退屈を生んでしまいます。 そして、面白いものを作るためには「こんなことしたら変かな」とか「恥ずかしい」といったことを気にせず、なんでもできる（していいと思える）雰囲気を作り、自分の心もそうした状態にすることです。 そのように、集中が高く体も（呼吸も）緊張でこわばっていない、開かれた状態で、自由自在に動ける状態がリラックスした状態なのです。稽古のはじめに多くの劇団では体操をしたり、発声練習をしたりいろいろな準備をすると思いますが、上手なファシリテーターはリラックスを心がけています。これは実は指導する側にとっても大切で、稽古場の雰囲気がガチガチに硬くなっている時には指導する方も緊張してしまうので柔軟なアイデアは出づらいのです。「遊びごころ」と言ったりしますが、意表をついたヒラメキが芝居を面白くしたりします。能のように「型」が決まっている演技であっても、その動きや発語...