劇研アクターズラボ＋村上慎太郎（京都公演クラス）

先日フランスの有名劇団「太陽劇団」の公演を観ました。日本とおぼしき国が登場する妄想の世界が舞台なのですが、フランス人をはじめ多国籍な俳優たちが 、「日本人」を演じていました。映画でも「これはどうかな」と思うような、「日本」が描かれることもあったりしますが、そこはさすが太陽劇団。トレーニングしたり勉強したりして、日本をイメージさせる見事な空想の世界を作っていました。日本人的な「礼」の自然さ（美しさ）なんかはよく訓練されていると思いました。西洋人の「礼」はちょっと不自然に感じたりもしますよね。 　さて、今回のお芝居でももしかすると、外国（他文化）を描くシーンが登場するかもしれません。前述したようにお芝居や映画などで「外国」を扱うことは珍しくありません。自分のよく知らない「異国」には何か魅力を感じるのでしょう。例えば芝居の中でよその国の言葉を語る（仮にそれが想像の言葉であっても）ことだけでも、日本語とは違うわけですから、演劇的な効果を生むわけですが、演じることは言葉だけでなく行動を伴うわけですから、そこに考え方や行動様式の違いみたいなものも当然現れてきます。それはうまくやればとても面白い効果を生みます。でも、前述の日本人独特の仕草「礼」のように、そこにリアリティを持たすのは、なかなか難しかったりもします。前述の太陽劇団ですら「日本人はこうしないよね」と文化の差を感じるところがありました。実際のある国を参考にしたりすると、その国を知っている人からするとバカにされたように感じさせたり、雑に扱いすぎてシラけさせたりするリスクもあります。 　日本も多文化化が進んでいます。自分とは違う考え方や、行動様式、言語を勉強したり、想像してみることは、とてもいいことなんじゃないかと思います。お芝居で描く際にもそんな「文化背景」を意識して丁寧に作ってみると、より深まっていいんじゃないかと思います。

稽古前に毎回全員でウォームアップをするのがこのチームの特徴です。村上さんはいい雰囲気を作るのが上手な方で、稽古場はいつも楽しい空気に包まれます。今日行った早口言葉の練習は、ただ機械的に早口言葉を言うのではなく、会話のように言ってみました（写真）。間違えたり、微妙に言えなかったり、完璧に言えたり、滑舌の練習ですが笑いがこぼれて和みます。「東京特許許可局局長今日急遽許可却下」こんなセリフ出てきたら大変ですよね。  さて、演劇をする上で（稽古する上でも）役者にとって大事なことは「リラックス」です。昔の演劇の稽古はとても厳しくて、あの環境でリラックスするのは相当大変だったと思いますが、現代はリラックスできるよう現場を整えるのが主流です。厳しく鍛えないと全員が共有できない特殊な技法や、鍛えぬかれた肉体でしか出せない表現などをする劇団は今もありますので、そんな場合はトレーニング重視でリラックスはあまり気にしないということもあるでしょう。それでも実はリラックスは大事です。 面白い表現をするとき（そうしたものを作り出そうとする時も）、まず「集中」が肝心です。演劇で集中するというのは例えば読書に集中して他の雑音が全く気にならない。みたいに、ある一点に集中するということではなく、芝居の流れや観客の意識など幅広く意識を巡らせながら、かつ自分の演技が途切れないように保てる状態を言います。集中が切れた演技は観客に伝わりますし、退屈を生んでしまいます。 そして、面白いものを作るためには「こんなことしたら変かな」とか「恥ずかしい」といったことを気にせず、なんでもできる（していいと思える）雰囲気を作り、自分の心もそうした状態にすることです。 そのように、集中が高く体も（呼吸も）緊張でこわばっていない、開かれた状態で、自由自在に動ける状態がリラックスした状態なのです。稽古のはじめに多くの劇団では体操をしたり、発声練習をしたりいろいろな準備をすると思いますが、上手なファシリテーターはリラックスを心がけています。これは実は指導する側にとっても大切で、稽古場の雰囲気がガチガチに硬くなっている時には指導する方も緊張してしまうので柔軟なアイデアは出づらいのです。「遊びごころ」と言ったりしますが、意表をついたヒラメキが芝居を面白くしたりします。能のように「型」が決まっている演技であっても、その動きや発語...

 役の設定や背景を考えるにあたって、村上さんは出演者にヒアリングして、そうした意見を参考にしていきます。このチームには幅広い年代がいるので、人生経験も豊富です。そうした方からのお話は、事実に基づいていたり、実際の体験をもとにした話だったりするので、設定にも膨らみが出ますし、細部にリアリティがでます。同年代ばかりの劇団だとなかなかこうはいかないのではないでしょうか。 　ちなみに、今回も役名をその役を演じる役者さん自ら決めることになっています。役のキャラクターを作り上げていくのに、自分自身 も深く関わっていくのできっと愛着も深まるのではないでしょうか。

 即興を繰り返しながら、作品の基になる素材を探す練習が繰り返されています。 写真はそんな即興のワンシーンです。草野球？をしているようなシーンですが、例えば野球しながら言葉を交わすとか（日常でもそんなことはありますが）行なっている行為と全然関係ない会話を交わしたりすると、劇の構造が多重になって面白くなったりします。 　例えば映画でもそうしたシーンはありますが、映画は演劇よりリアルな感じがします。普通な感じがして、特に気に留めないことも多いです。でも舞台で行うと「虚構」が重なった感じで映像より面白くなることがあります。演じる方は大変ですが、激しいスポーツをしながら、全く次元の違う会話をしたりすると見ている方はその意外性を楽しめたりします。目の前で激しく体を動かしている人の熱と、交わされる会話のずれが面白さを増幅するのだと思いますが、そんな表現はとても演劇的だと感じます。 ところで、演劇は男性の少なさが悩みのタネであることが多いのですが、このチームは男性が半数近いということで、この頃では稀な男女比となっています。男性が多いことで表現の幅も広がるので、このチームのように数がもっと増えたらいいなと願っています。

演劇では日常ではあまり体験できない人間模様を描き出すことはよくあります。不倫や嫉妬、裏切りなど実生活ではちょっと問題になりそうなシチュエーションも、 演劇ではしょっちゅう登場します。今回のお芝居も恋愛がテーマなので、ドロドロした人間模様が繰り広げられる予感もします。お芝居とわかっていれば、人はそういうのを見るのが案外好きなのでしょう。 演じる側としては、そこにリアリティを感じさせるよう演じる必要があるわけですが、人によっては過去に辛い体験があってそれがトラウマになっていたり、「そうした反社会的なことはどうしても許せない」みたいに強い思いがある場合は、そうした役を演じられない場合もあったりします。演技の訓練では実社会の「社会性」をひきずらないように、安心して演じられる状況や環境を作ったりして、舞台の上ではなるべく自由になるように自分をコントロールできるよう導いたりするんですが、どうしても無理な場合にはそうした役はしない のが無難でしょう。 一方で、そうした非日常が楽しい人もいたりします。楽しいと感じられる理由には、日頃がんじがらめになっている「社会性」や「暗黙のルール」「人間関係」などから自由になれることがあるのかもしれません。

 今日からの新たなメンバーも加わり、半年後の公演に向けた顔ぶれが固まりそうです。このチーム「デマチカヤナギ」は、幅広い年齢の方が参加していますがとても仲が良く、欠席したメンバーのために自主的に休んだ時の稽古内容を知らせあったりしています。 演劇を作る上でチームワークは大切だと思います。それは、言い換えれば「信頼関係ができている」ということなのだと思います。 　演出家と出演者との信頼関係が大事なのはもとより、役者さん同士の信頼関係も同じです。お芝居をしたことがないと、台本に書かれている通り演じればできあがると思ってしまうこともありますが、現実はそうではありません。 台本には、最初から結末まで書いてありますが、お客さんは目の前で起こることを見てゆくわけです。一人の人が出てきた／その人が舞台上で右往左往している／もう一人の人が出てきた／（その人の様子を見て）「どうしたの？何か探しているの？」「うん、パスポートが見あたらないんだ」 このやり取りで、お客さんは右往左往している人が、「パスポートを探していただんだ」と理解できるわけですが、「うん、パスポートが見あたらないんだ」のセリフが（パスポートを探しているにも関わらず）「それ、こたえなきゃいけないの」だったりしたらどうでしょう。２人の間には何か緊張感を感じます。例えば「それ、こたえなきゃいけないの」と言うのと同じ心情と動作で「うん、パスポートが見あたらないんだ」と言ってみたらどうでしょう。同じセリフなのに、やっぱりギクシャクした何かを感じさせることができそうです。 　このように、演劇は人の演技やアクションをどうほかの人が引き受け、どうリアクションを取るかで変化します。見ている人はその変化を（意識しないにしても）感じているのです。同じ台本を使っていても面白い芝居と面白くない芝居ができてしまうのは、こうした一つ一つのやり取りに違いがあるのです。ざっくり言えば、一つ一つのやり取りが豊かで創造的であればあるほど、面白くなるのです。 　多くの場合、他人行儀な関係やギクシャクしている関係からは豊かで創造的なシーンは生まれづらいです。なぜならその関係自体が緊張感をはらんでいて、豊かにできるような「あそび」が生まれづらいからです。逆に「あそび」が生まれるような稽古場は楽しいものです。

日本語は「びちゃびちゃ」とか「ペチャクチャ」とか「ビシバシ」とか擬音語とか擬態語といわれるような言語表現が多く出てきます。 欧米の言葉にはあまりないので、漫画などに出てくるこうした表現を訳すのに苦労されているということをどこかで聞いたことがあります。 こうした表現を「オノマトペ」と言ったりします。このオノマトペを使った演技練習は比較的一般的です。例えば、どこの国の言葉かわからない架空の言葉（オノマトペ）を使って即興練習したりします。即興をする場合、話す内容を考えることに意識が向きがちになるのですが、オノマトペを使うと内容を考えなくていいので、その場の雰囲気や状況に集中して演技することができるといったメリットがあります。 オノマトペを使った練習で面白いシーンができることもあります。時にはそれをそのまま使ってしまうなんてこともあるでしょう。 さて、今回の芝居では？結果をお楽しみに。