劇研アクターズラボ＋村上慎太郎（京都公演クラス）

 ブログ筆者代打です！ 今週も脚本が追加され物語が展開していきます。登場人物たちに心境の変化が見られ、それに伴って演出から役者への注文も細かくなっていきます。未定の部分も演出の”口立て”で仮に作られていき、人物同士の関係性が見えやすくなり物語に整理がついていきます。 職業でなくアクターをすることは自己セラピーだと思います。稽古を見ていると、自身ではない存在を考えることで舞台上(稽古場)で生き直していくすがたがありありと見られます。

ブログ筆者代打です！ 脚本の進捗も順調でセリフ覚えの段階に入ってきました。以前は読み稽古が中心でしたが、現在はほとんどが立ち稽古になっています。微妙な位置関係にまで演出がついていきます。 今回の稽古では、上手くいかないシーンで本人が役になるのではなく、相手が本当に、自分にとってその立場だったら？というアドバイスが多く見られました。例えば親子だと、あなたはどういう母ですかと問うとどうにも作りすぎてしまう、設定を作りすぎてしてしまうきらいがあるようです。絶対的に役を演じるより、相手との中で相対的に考えていくのがビギナーが掴んでいくべきステップなのかと思いました。 セリフを毎回はっきりと言うと感情が一貫しないことがある、というアドバイスもありました。言葉だけでなく動きも含めての演技ですので、聞き取れなくても動き・状況で補完されるということまで考えて演技を作っていかないといけません。見ていた私としては役者がどう役を捉えるかという事よりも脚本・演出の気持ちを考えてそれを実行したほうがこのお芝居は綺麗になるんじゃないかなと感じました。もちろんそれだけでは駄目で、ほとんど当て書きである台本の中で裏に潜む演出の意図を、役者としての個性を出しつつ読み取ることができたらいいなと思います。

 出演者に変更が出たために、台本の修正とそれに伴って登場人物の相関関係の修正が行われています。今日は修正された台本が渡され、それをもとに稽古しながら、さらに細部の修正などが行われました。役者さんとしてはそろそろセリフも覚えたいところですので、セリフを覚えつつ続きを創作する作業となります。台本は全体の4分の１ぐらいでしょうか。キャラクターがだいぶ身体に落ちてきているので、あとは最初から台本ができてきた所までは、セリフを入れてなるべく台本を離して稽古していくことになります。 ちなみに、今日は全員揃っての稽古となりました。このような状態がこれからも続くといいですね。

 この講座は「講座」とはいいながら期間限定の劇団のように、メンバー自身が主体となって作品を作ったり、衣装や小道具集めなどの必要な作業をできるだけになっていくことを方針としています。それは、例えば今後自立して活動していったり劇団に入って活動したいと思ったときに、実践的だと思っているからです。演劇活動はそうしたことも含めてのものだという考え方ともつながっています。 さて、公式の練習とは別に行われる自主練習もそうした自主性に基づいて行われています。3月からは自主練習を始めたいということで、担当するメンバーが会場押さえなど行っていました。 また、内容に関して参考になるアイデアや資料の提示なども、積極的に行われています。演出の村上さんはそうした意見も汲み取りながら、場面の構成やセリフのやりとりに活かそうとしてくれています。もちろん、全て採用となるということはありませんが、そうしたやりとりは芝居を豊かにする上でとても大切なことだと思います。 今日の練習も、即興や村上さんの用意したセリフを使って、キャラクターやシーンを膨らませていく作業が行われました（写真）3月ぐらいまでこうした粘り強い作業が続く見込みです。

 年明け最初の練習となりました。体調不良での欠席もあり全員揃っての稽古はじめというわけにはいきませんでしたが、参加したメンバーは溌剌と演じていました。 基本の構成やセリフをもとにシーンを膨らませる作業が続きます。 この芝居の中では「相談」ということばがたくさん出てきます(くる予定です）。それについて演出から説明もありました。つい「相談」してしまう人の哀しさやおかしさが感じられる作品になるかもしれません。 とこで、人はなぜ相談したくなるのでしょうかね？

村上さんが書かれた台本をもとに、シーンを作っていきます。台本をしっかり書いて、ほとんどセリフの変更をさせない作家もいますが、村上さんは読み合わせをしたり、それについてメンバーとディスカッションしながらどんどん台本を修正していきます。さらに台本に書かれていないことを即興で演じてもらいながら、セリフの口立て（演出家がセリフを役者に言葉で伝えて語ってもらうこと）も加えてシーンを膨らませる作業をしていきます。 役者さんもすっかり慣れていて、台本に縛られすぎず比較的自由にのびのびと演じていました。

  高杉征司さんによる代講の2日目。前回に続いて２人芝居のテキストを使ってのシーンスタディです。今日は最後に発表もしました。まずはペアに分かれてそれぞれで練習します。前回同様、高杉さんは各ペアの練習を見てアドバイスを加えていきます。 最後にはそれぞれのペアが連続で発表し、練習の成果を互いに見合いました。（写真） さて、シーンスタディをより充実させるポイントは「人の演技を見る」ことではないかと思います。私も演劇を始めたての若い時、こうした練習をしていて、よく指導者から「人の演技を見て」と言われたものでした。でもその時は全然ピンと来なくて、自分のやること、演じることで精一杯で人の演技は見てはいましたが、何がどう良くて、どう参考になるかなんてちっともわからなかったのを覚えています。今になって思うのは、「人の演技を見られるようになる」ことにも段階があって、見ていくうちにだんだん上達していくということです。 まずはお客さんのような気持ちで素直に見ることが大切ではないでしょうか。演じるのは一緒に芝居する仲間ですし、自分が演じる時に暖かい目で見てもらえるようついつい「優しい目」で見がちです。でも演技の練習としては、クールに素直な目で見ることが大事ではないかと思います。（退屈だったら、そのように感じて無理して笑ったりしたりしないことです。ただし、稽古場を和ませるためなどの理由で、無理して反応しているのが自覚できていたら、それはそれでいいんですけど）本当に面白くて笑ってしまったり、つい引き込まれたりすることもあると思います。見る量が増えていけば、そんな時になぜ自分がそうなったか、だんだんわかってきます。指導者がアドバイスをして、演技が変わって「面白くなった」と感じられたらそれはそういう自覚のためのとてもいいトレーニングです。俳優は自分の演技が観客にこう伝わるだろう、ということを意識して演じたりします。自分の動きや声や感情がどうなっているか、どう伝わっているかを自覚できていないと、狙い通り伝わらないので「見る、見られる」練習でそれを磨くのです。 また、演技はアクションとリアクションですから人の演技（例えばそれが小道具の扱いや、視線、距離感なども含めて）にどう反応すると芝居が面白くなるかも大切です。こうしたこともシーンスタディの中で人の演技を見て参考にすると有効です。何かを仕掛け...